CINE 31

Shame (2011) por Sofia

2012-03-09T21:52:00.002Z

[spoiler]

"We're not bad people.

We just come from a bad place"

Sissy Sullivan

Assisti com prazer a 100 minutos de puro orgasmo cinéfilo. Desde o minuto zero da produção / realização deste filme de Steve McQueen que os meus holofotes estavam bem focados em tudo o que dizia respeito ao projecto. Tudo me fascinou - a escolha de Fassbender para personagem principal, os posters polémicos, as imagens, as entrevistas. Este era um daqueles filmes que até estava com medo de ver, só de pensar que podia sofrer uma desilusão. Graças aos Deuses, tal não aconteceu e Shame entrou de imediato na minha lista de "filmes referência".

O filme é rodeado de momentos intensos, de silêncios profundos e de diálogos brutos e crus. A personagem principal Brandon Sullivan (Michael Fassbender) é um homem bem parecido, com um bom apartamento, um funcionário competente, aparentemente sociável, com tudo para "ser tudo", mas... viciado em sexo. Viciado em flirts, em prostitutas, em sexo virtual. Vicio este que o consome de tal forma que se torna incapaz de manter relações que vão ultrapassem a "barreira sexo". Nem com a sua irmã - Sissy Sullivan (interpretada por Carey Mulligan) é capaz de ter uma relação saudável. E é nesta estranha relação que talvez exista uma justificação para o vicio de Sullivan. As pontas ficam soltas, nada é desvendado, a não ser que a irmã também é profundamente perturbada.

Podia dar exemplos vários de momentos sublimes no filme, mas destaco o momento em que Brandon Sullivan tenta fazer amor, em vez de sexo, com alguém que aparentemente lhe dizia algo além do físico... seguido de um momento de êxtase, e durante estes minutos quase que vimos duas pessoas completamente diferentes numa mesma pessoa.

É um filme sobre a solidão, sobre o medo de compromissos, sobre riscos, e sobretudo sobre como o sexo pode passar facilmente do saudável ao doentio.

Fassbender é absolutamente soberbo. A nudez da personagem, o seu sorriso, as suas expressões faciais ocas e vazias, são, aliás eram de facto dignas de - pelo menos - uma nomeação ao Óscar. Mas é claro que uma personagem viciada em sexo, dificilmente seria notada ou mencionada pela Academia - que aparentemente prefere que as personagens não falem... ahhhh mas esperem... "Drivers" também são excluídos.

Permitam-me só dizer - sim, talvez eu seja um bocadinho estranha, mas no meio de todas estas perturbações mentais e físicas da personagem principal, o filme é - à sua maneira - incrivelmente sexy.

We Need to Talk About Kevin (2011) por Sofia

2012-02-21T18:02:00.000Z

[spoiler]

Esqueçam qualquer documentário que viram até hoje sobre crianças problemáticas, serial killers ou massacres em escolas. We Need to Talk About Kevin de Lynne Ramsay é um exemplo máximo sobre o potencial assassino que todos nós somos.

Nasce-se mau? É possível que negligência parental torne a pessoa má? Por muito que a ciência investigue e procure respostas credíveis, a verdade é que tudo isto será sempre um mistério.

Baseado num romance da americana Lionel Shriver com o mesmo nome, o filme aborda a vida de adolescente problemático - autor de um massacre numa escola (episódio fictício), mas a narrativa não se prende na vida do jovem, mas sim na da sua mãe - Eva Khatchadourian interpretada pela brilhante, irrepreensível e única Tilda Swinton. Uma mulher que vive um presente triste, só, amargurado, envolto em culpa e remorsos. Dependente de álcool e comprimidos, não consegue gerar amizades e é apontada como a mãe do assassino, ou melhor, como a má mãe do assassino. A culpada pelo acto e pela ausência de transmissão de valores correctos.

Verdade ou não, culpada ou não, facto é que esta mãe está tão presa na sua realidade como o filho - Kevin Khatchadourian está dentro das quatro paredes da prisão, consciente daquilo que fez, sem nos dar a perceber porque o fez.

Ezra Miller encarna Kevin, alguém perturbado, inexpressivo, cruel, mentiroso, inteligente, hábil e sobretudo matreiro. Ezar encarna a personagem de forma magistral. Alguém a ter muito em conta no futuro de Hollywood.

Eva Khatchadourian encarna aquela máxima de que nem todas as mulheres nasceram para ser mães, não por falta de jeito ou de tempo, mas porque simplesmente não conseguem. Este We Need to Talk About Kevin faz-nos pensar sobre este estranho mundo da maternidade, mas também nos faz reflectir sobre aquilo que gera o mal. Sobre os sinais visíveis de que algo está mal e que tantas vezes ignoramos. É um retrato cru e duro de algo que muitas vezes vimos acontecer nas noticias e nos filmes, algo que julgamos só acontecer aos outros, mas que na mais crua das verdades, pode estar dentro de nós - de forma nata.

Beginners (2010) por Sofia

2012-02-19T18:48:00.001Z

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"My parents got married in 1955, they had a child and they stayed married for 44 years, until my mother died. Six months later my father told me he was gay. I remember him wearing a purple sweater when he told me this, but actually he wore a robe. He was gay the whole time they were married."

Inícios, fins. Vida, morte. Homens, mulheres. Alegria, tristeza. Encobrir, assumir. Encontramos tudo isto neste filme de O objecto principal deste filme de Mike Mills é sem dúvida alguma - o amor. Pode ser resumido à quote que escolhi no inicio do post. Um pai (Christopher Plummer) que conta ao filho (Ewan McGregor) que é gay e um filho que além das tendências sexuais do pai, descobre que o mesmo tem uma doença terminal. O filho tudo faz para que o pai viva os últimos dias da sua vida da melhor forma possível, sendo mergulhado numa profunda tristeza e solidão quando o pai morre. Na fase mais complicada encontra Anna, uma jovem actriz francesa - interpretada por Mélanie Laurent, por quem se apaixona, mas ambos deparam-se com alguns problemas sentimentais, não só pela distancia, mas sobretudo pela ausência de modelos ou de habituação a demonstrações de afecto.

Não é de todo uma comédia, é um retrato sobre aparências, sobre a doença, sobre a solidão, e sobretudo sobre a indefinição do que é o amor, de como expressa-lo e sobretudo de como o sentir. Por vezes a narrativa é demasiadamente lenta, mas ao mesmo tempo esta lentidão é totalmente justificada pelos temas delicados que aborda. É verdadeiro. Christopher Plummer é um senhor, Laurent é delicada e McGregor competente, e o cão é um detalhe incrivelmente fabuloso.

Uma chamada de atenção especial para o incrível sentido estético de Mike Mills personificado nos desenhos que Oliver Fields (Ewan McGregor) faz ao longo filme, nos grafittis e nas imagens fotografias que dividem a narrativa e fazem o enquadramento cronológico ao longo do filme.

Martha Marcy May Marlene (2011) por Sofia

2012-02-19T18:05:00.001Z

[spoiler]

Como gosto desta sensação de chegar ao fim de um filme e ter a cabeça a ser bombardeada por perguntas. Aliás a narrativa do filme é tão bem feita que ao longo do filme os "porquês", os "como", os "mas" e os "se's" estão sempre presentes.

É um thriller fabuloso. Elizabeth Olsen é incrível e consegue mergulhar no mundo criado pelo realizador e guionista - Sean Durkin de forma espontânea, intensa e sobretudo emocional. Os cenários e a narrativa alteram entre um passado complicado e próximo e um presente tortuoso. Uma adolescente que foge de casa e que se vê envolvida numa espécie de seita ou comunidade, em que além da óbvia discriminação sexual, dos trabalhos no campo e da aparente anarquia perfeita, vive abusos sexuais e tudo é controlado por um líder abusivo. O medo, os assaltos a que é obrigada a participar e a iniciação de outras jovens aos rituais comuns levam a protagonista - Martha ou Marcy (a mesma pessoa) a fugir.

Procura a irmã, procura uma fuga... mas a instabilidade psicológica, a ausencia de valores sociais e a incapacidade de comportamentos normais, acabam por tornar a jovem cheia de medos, paranóias e no limbo da insanidade mental.

Ao longo do filme, os constantes flashbacks justificam a incapacidade mental de Martha, mas nunca nos deixam ter certezas absolutas. Será que aconteceu mesmo? Será que a adolescente viveu aquilo? Ou tudo não passará de truques e esquizofrenias da mente da jovem. No fim, o realizador faz um alerta ao perigo destas comunidades e seitas religiosas (ou não) que cada vez mais existem pelo mundo fora. O contexto social e financeiro que o mundo vive é propicio a estas ocas causas e utópicas filosofias de vida. Mas Sean Durkin consegue um filme perturbador e inteligente. Criamos uma empatia com a personagem principal - apetece-nos salva-la, mas ao mesmo tempo apetece-nos abana-la para a realidade da vida e sobretudo para receber de braços abertos, aquilo que a vida com a irmã e cunhado lhe pode oferecer. E no fim a dúvida assombra-nos: Martha corre realmente perigo de vida? Ou é tudo fruto da sua mente perturbada e alvo de abusos físicos e psíquicos?

Duas notas finais: Sean Durkin promete muito e a irmã mais nova das gémeas Olsen, Elizabeth também me parece que tem futuro.

The Descendants (2011) por Sofia

2012-01-25T12:31:00.000Z

[spoiler]

O realizador Alexander Payne o mesmo de Sideways e About Schmidt já nos habituou a colocar na tela assuntos / histórias que abordam temas aparentemente banais. No entanto na banalidade dos temas, consegue dos actores que escolhe como protagonistas interpretações incríveis, tornando na verdade os enredos tudo, menos banais.

A história é basicamente a seguinte: um casal - o homem mergulhado no trabalho e com pouco tempo para se relacionar com as filhas e para "alimentar" o casamento. A mulher adultera está em coma. As filhas são rebeldes e com graves problemas no que diz respeito à autoridade.

O que é que há de novo aqui? Nada. já vimos esta história vezes sem conta - no cinema, na televisão, em literatura e até na casa dos vizinhos do lado. Então o que é que torna este filme tão aclamado pela crítica, considerado por muitos um dos dos "melhores de 2011" e - agora já sabemos - nomeado para cinco Óscars nas categorias de Melhor Filme, Melhor Actor Principal, Melhor Realizador, Melhor Montagem e Melhor Argumento Adaptado.

Porque toda a simplicidade e banalidade da história em causa é espelhada na interpretação incrível de George Clooney. O actor usa e abusa da sua fisicalidade e até mesmo da sua aparente ausência de expressão facial - com ela mostra-nos sentimentos, estados de espírito e sobretudo o ridículo humano de que todos padecemos. O filme tira-nos um sorriso nervoso no meio de uma situação depressiva ou dramática e faz-nos ficar pensativos no meio de uma cena em que devíamos rir.

Se Clooney é deslumbrante como Matt King, as duas novatas Shailene Woodley (como Alexandra King) e Amara Miller (como Scottie King) dão um toque de graça e complementam de forma correcta e eficaz a soberba interpretação do protagonista.

É a aura simplista do filme que cativa a atenção do espectador. É um filme sobre relações, traição, amor, ódio, perdão, descoberta, respeito e justiça. Também é possível pensar também no filme como uma lição de vida sobre a morte - aquela que todos esperamos um dia, mas para a qual dificilmente estamos preparados para a receber e aceitar. O toque de génio do filme é que é para ser visto com um sorriso na cara, mas ao mesmo tempo com uma lágrima inevitável e fácil.

The Girl with the Dragon Tattoo (2011) por Sofia

2012-01-23T22:22:00.000Z

[spoiler]

Sentei-me no cinema totalmente ausente de informações detalhadas. Não li os livros de Stieg Larsson, não vi as adaptações suecas e esforcei-me (como sempre) por não ler criticas (negativas ou positivas) sobre o filme. Mas tinha as expectativas altas, tudo me fascinou na publicitação ao filme - os trailers, os posters, as fotografias, as entrevistas dos protagonistas. As expectativas estavam ainda mais elevadas por Daniel Craig estar no elenco.

Dificilmente alguém entenderá este filme se não perceber aquilo que caracteriza os suecos, de forma resumida e sem entrar em grandes detalhes - contenção, impaciência, ironia, independência, fascinados por regras e viciados em noticias. Terra de Vikings e de suposta neutralidade na Segunda Guerra Mundial. A história por detrás do filme, é crua, violenta e tem na personagem Lisbeth Salander (interpretada por Rooney Mara) a prova da fragilidade aparente de um sistema de institucionalização e salvaguarda de "menores" oca e cheia de erros profundos.

É uma história de investigação policial. Com um cheirinho a Poirot, Sherlock, Hitchcock e até Jessica Fletcher da série Murder, She Wrote. O cenário-crime no seio de uma família numerosa é sempre uma receita fantástica. Um desaparecimento, várias mortes. Todos são suspeitos, todos são testemunhas, todos são inocentes. Um enigma por desvendar, um puzzle por completar. As peças estiveram anos e anos à frente de todos, mas poucos as souberam ver e interpretar.

No decorrer do filme são lançadas várias pistas para a investigação e as personagens principais começam a ser misturadas no enredo, e ao mesmo tempo, são esmiuçadas as suas vidas, formas de ser e de estar.

Mikael Blomkvist (Daniel Craig) um jornalista de investigação e sócio da revista Millenium, está envolvido num escândalo juridico e mediático com um alto elemento do mundo das finanças.

Lisbeth Salander (Rooney Mara) é uma espécie de "detective particular" inteligente e irreverente. Com uma história de vida dura, só, sobrevivente, lutadora, aparentemente desequilibrada, justiceira, vingativa, astuta e destemida. Será a companheira de Mikael na investigação do "crime familiar"

Henrik Vanger (Christopher Plummer) um empresário reformado, membro de uma familia conturbada e obcecado com o desaparecimento da sobrinha Harriet há 40 anos. Contrata Mikael para investigar este desaparecimento / morte.

Martin Vanger (Stellan Skarsgård) sobrinho atento e preocupado de Henrik é um dos herdeiros da família Vanger e responsável pela empresa da família.

David Fincher está habituado a personagens complexas, com problemas do foro psicologico, conteúdos violentos e personagens pouco sociais. Voltou a conseguir esse feito e conseguiu colocar no filme as características "tão suecas que os suecos têm".

Tudo o que envolve a personagem Lisbeth é pensado ao detalhe - tatuagens, roupas, brincos, forma de ser, de estar, até de andar - faz sentido com a carga que a personagem tem. Algumas cenas que a envolvem são de uma violência fria e cruel - fazendo lembrar momentos de Irréversible e até de The Accused. Violência esta que dificilmente é ignorada pelo espectador.

Tenho que fazer destaque ao genérico inicial - é absolutamente fantástico. Faz lembrar um video de Woodkid ou algo produzido por Swizz Beatz para Jay-Z, por exemplo.

Sai do cinema com a sensação "quero mais". Quero ver esta dupla (Craig - Mara ou melhor dizendo Blomkvist-Salander) novamente.

Convido a visitarem o fabuloso site oficial do filme - aqui.

Nota extra: a Daniel Craig até o cardigan mais simples fica brutalmente bem !

Marie Antoinette (2006) por Sofia

2012-01-10T12:43:00.002Z

Imaginem que este texto tem como subtitulo: "quando um filme vai além do cinema"

É incontornável a necessidade de conhecer um bocadinho da biografia da "Viúva Capeto" antes de se esmiuçar o filme em causa. A Maria Antonieta que o filme aborda é o fruto de uma corte católica e rígida - a de Viena, que num acto de politica externa e diplomatica é obrigada a casar com o Delfim de França - Luis de Bourbon, o futuro Luís XVI. A presença de Maria na corte francesa tinha como objectivo máximo usar os potenciais políticos de forma a reconciliar as casa nobres (Habsburgo e Bourbon).

Mas, na verdade, o deslumbramento pela corte francesa e pela vida palaciana de Versalhes, fez com que a futura rainha ficasse rodeada de luxo e de riqueza. Escolheu para estar ao seu lado, pessoas que considerava bonitas e elegantes (dispensando grande parte dos funcionários da corte), organizava festas, corridas, banquetes. Frequentava teatros, óperas, bailes. Partilhava charme e namoriscava com altos membros da nobreza. O Rei não se importava e até em certa forma incentivava a vida quase promiscua da sua mulher. A sua relação com determinadas amigas também ficou registada nas calendas da história. Mas foi também uma "humanista". Patrocinou teatro, estudou filosofia, política, história, literatura. Vestia o melhor e o mais luxuoso possível. Durante a sua estadia em Versalhes, França viveu um profundo período de divulgação cultural.

É importante para a história pessoal da Rainha o Palácio Petit Trianon - espaço que serviu para Maria esconder as suas mágoas e talvez algumas gravidezes. Um pequeno luxo rural, rodeado de hortas e animais. Representa um lado mais simples da Rainha.

Os tempos de paz na corte francesa tinha os dias contados. Os escândalos palacianos sucedem-se - e convém termos em conta que nesta época a política já ditava as suas sentenças e a monarquia era cada vez mais, um poder afastado. A estes enredos junta-se um inverno rigoroso, a falta de produção de alimentos, ao frio e a morte. O declinio de Antonieta tem o seu inicio.

A Rainha era o símbolo vivo daquilo que os franceses odiavam e reprimiam na monarquia - o luxo e o gasto abusivo de dinheiro. Denominada de "madame déficit", sofreu uma campanha de difamação que a levou ao isolamento. A família real ficou presa no Palácio e mais tarde vão para Tulherias, sendo a sua sentença final sobejamente conhecida - guilhotina (morte por traição) a 16 de Outubro de 1793.

A Revolução Francesa é o acontecimento histórico que marca o inicio da Época Contemporânea.

Assim num olhar distante, temos isto tudo no filme, não temos? No entanto, será Marie Antoinette um filme histórico?

Para mim não é um filme histórico, mas sim uma sátira histórica a uma determinada época da História.

É um filme sobre luxo, cultura, moda.

Para mim ver este filme é quase que um deleite de detalhes estéticos. Este filme é semelhante a um desfile de Jean Paul Gaultier, Alexander McQueen ou até mesmo da dupla nacional Storytailors. Este filme é fotografia, música, gula e revolução. É a personificação da abastança num período em que pessoas morrem com fome.

São os vestidos, os sapatos, a decoração. É Rousseau, é Voltaire, Kant, Montesquieu, é literatura, é arte, é música.

Coppola com os seus planos demorados e fabulosos silêncios, mostra uma mulher fútil, mas mostra também alguém que se preocupa com os filhos, uma mulher sem medos e disposta a defender sempre aquilo em que acredita. Procurando em tudo "o bom". Kirsten Dunst é exímia.

A realizadora procura mostrar uma mulher "modernamente contemporânea "num país em que os ideais "Liberdade, Igualdade e Fraternidade" estão a nascer e sobretudo um país em que estes valores têm diferentes significados para diferentes pessoas e estratos sociais.

Não deixo de questionar a aparente liberdade de um pais que condenou o luxo, que gritou bem alto os valores da partilha e da justiça social e que hoje em pleno século XXI, proibe a ostentação em via pública de objectos religiosos, sobretudo os muçulmanos.

Não é um filme para todos, sobretudo para aqueles que embutidos nos valores bacocos da liberdade democrática da Revolução Francesa, não conseguem olhar "para um além filme". É a história de uma mulher que durante a adolescencia foi abandonada numa corte estranha, com pessoas e valores estranhos. É a história da sobrevivência de uma mulher que se adapta à vida num palácio cheio mas vazio, em que às suas próprias custas aprende e sobrevive à dificuldade de ser contemporânea num mundo recheado por valores tipicos de um Antigo Regime.

Como todos os filmes de Sofia Coppola é obrigatório !

Mission: Impossible - Ghost Protocol (2011) por Sofia

2012-01-04T11:23:00.001Z

Juro que tentei escrever um texto com mais que um parágrafo sobre o filme em causa, mas talvez seja do frio, talvez seja consequência retardada da ressaca causada pelo fim do ano ou simplesmente por falta de palavras - não consigo. Mas consigo dizer que não me divertia assim com um filme há muito tempo (não no sentido de rir desalmadamente, mas no estar a ver um filme sem pensar no mundo real). No entanto, para mal dos leitores deste blog, não escrevi, mas fiz uma espécie de esquema...

MI 4 - Os Factos

(ou qualquer coisa assim parecida)

Quando existe crise de ideias, convém jogar pelo seguro. O ideal é escolher a Rússia como inimigo dos EUA e colocar no meio do enredo, russos psicopatas com vícios nucleares.

É determinante equipar a estrela do filme (o Tomás), com os melhores fatos do mundo. Este (azul) é exemplo perfeito de corte de excelência e a prova de que “Deus existe” e certamente já foi costureiro.

Colocar decotes e rachas na ajudante e possível futura amante do personagem principal é uma “ideia totalmente vencedora”

Também ajuda ter vilãs giras e sexy’s. Daquelas que a malta pensa “não me importava nada que me desses uma sova”

Novamente o fato. É determinante que até a tempestades de areia resista. Convém que em caso de desastre automóvel só a zona dos joelhos se rasgue.

É extremamente importante que o protagonista da história fique bem em roupa de licra preta. O objectivo é que aos espectadores apeteça saltar janelas com o equipamento ideal — justo e em tons escuros de preferência. Nunca se sabe o que nos espera quando chegarmos ao chão.

Quando se escolhem carros, convém ter em atenção que, por mais tecnologia que tenha, um soutien (ou espartilho) será sempre mais importante que a “coisa sobre 4 rodas”

A escolha do morto é de extrema importância. É determinante que tenha experiência em ilhas abandonadas, desastres de avião, voz sexy, cabelo perfeito, modelo essencial para blusões de pele e botas Sendra.

Quando se encontra a equipa perfeita não se deve inventar muito mais... se bem que na existência de uma quinta Missão, esta adição (a meu ver) seria uma mais valia:

FIM

Drive (2011) por Sofia

2011-12-29T18:07:00.000Z

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Antes de falar sobre o filme, questiono (mais uma vez): como é que existem pessoas (críticos ou simples amantes de cinema) que argumentam que o cinema deixou de ousar, de criar ou de inovar, que deixou de conseguir criar filmes que podem tocar o patamar "culto", defendendo a ideia de que Hollywood deixou de ter imaginação e que corre sérios riscos de morte... Eis um exemplo que abalou pela positiva a critica.

Alynda Wheat, People:

"Stylish and intense, with riveting performances... a great piece of Los Angeles noir about an icily controlled stunt/getaway driver... Gosling and Mulligan are magnetic..."

Jessica Winter, Time:

"...a gleaming, goofy action-thriller.... To invest oneself emotionally in the central relationship, or the movie itself, would be akin to investing oneself emotionally in one's car. But when the car looks this good and drives this fast, why not?"

Christy Lemire, Associated Press:

"...feels like an homage to early Michael Mann.... oozes sleek '80s style... offers some serious character actors in big, showy supporting performances, which offers the same sort of appealing, startling contrast as the film's violent streak."

Lisa Schwarzbaum, Entertainment Weekly:

"...revels in sensory detail; it's a visually and aurally edgy Euro-influenced American genre movie about the coolness of noir-influenced American genre movies about the coolness of driving -- especially in L.A."

Peter Travers, Rolling Stone:

"...a brilliant piece of nasty business that races on a B-movie track until it switches to the dizzying fuel of undiluted creativity. Damn, it's good. You can get buzzed just from the fumes coming off this wild thing."

Claudia Puig, USA Today:

"The look is artfully stylized, influenced by classic film noir; the mood is dark; the performances nuanced; and the story unnervingly exciting.... Thoroughly immersing..."

Pois é, Nicolas Winding Refn, provou que é possível inovar, supreender e cativar. Drive é inspirado e adaptado dum livro de 2005 de James Sallis com o mesmo título.

A história é verdadeiramente simples - a personagem principal, interpretada por Ryan Gosling tem uma vida dúbia - duplo de cinema, mecânico e condutor de fugas em assaltos. Solitário por natureza, envolve-se por amor num esquema de traições e perseguições que põem em causa a sua vida, mas sobretudo a vida da mulher por quem se apaixonou (Irene, interpretada por Carey Mulligan), bem com do filho desta.

A personagem à qual Ryan dá vida, não tem nome, é simplesmente "o condutor" (Driver) ou como diz Shannon (dono da oficina e uma espécie de amigo, interpretado por Bryan Cranston) - "o miúdo", tem uma interpretação extraordinária, marcada pela ausência de palavras, mas dominada pela expressão facial e corporal. Percebemos que aquela pessoa é primeiro que tudo - um solitário, tem dificuldade em lidar com o mundo e sobretudo com as pessoas. Envolto num misto de ternura e de violência extrema - tem na estrada, uma casa e no carro, um amigo.

A história do filme, já a vimos muitas vezes - um revoltado, bandidos, carros, perseguições, paixão, desconfiança, adrenalina, etc. Em Drive encontramos certos detalhes que já vimos em Bullit (1968) ou em The French Connection (1971), por exemplo. Existe ainda muita critica a considerar este filme como sendo do "género noir" - percebo a associação, mas não me parece que esse fosse esse o objectivo propositado de Refn. Sim, temos sombras, contrastes, corrupção, questões morais, clichés, mas, a meu ver, a personagem principal não tem como missão final a eterna premissa do "fim justifica os meios". É um justiceiro, mas na verdade é um violento e perturbado justiceiro.

Para terminar, uma menção honrosa a Cliff Martinez e ao seu trabalho no que à banda sonora diz respeito. Complementa fabulosamente o filme, dá-nos uma sonoridade típica dos anos 80 - com aqueles acordes míticos, e cada nota é adequada àquilo que os nossos olhos contemplam.

É um filme brutal, pela sua simplicidade e pela forma crua e dura como a expõe. Será uma referência a 2011 para sempre.

Bully (2001) por Sofia

2011-12-18T15:17:00.000Z

Infelizmente não é ficção. Larry Clark, famoso por ousar colocar nos seus filmes temas controversos que envolvem adolescentes, drogas, sexo, usou para este filme a história verdadeira do assassinato de Bobby Kent. Baseado num livro de Jim Schutze - Bully, A true story of high school revenge.

Em Bully, assistimos ao quotidiano de um grupo de adolescentes, com foco principal em dois amigos - Marty Puccio (Brad Renfro) e Bobby Kent (Nick Stahl) - cuja relação aparentemente normal, é na realidade um tormento, que envolve maus tratos, prostituição e desrespeito.

A estas duas personagens outras se juntam. O que os une: a adolescência, a parvoíce inerente a esta fase, a promiscuidade, o uso abusivo de drogas, a negligência parental e sobretudo o ódio por Bobby Kent.

Muitas coisas neste filme não passam despercebidas, sobretudo àqueles que já foram adolescentes, que erraram, mentiram e sobretudo aqueles que tiveram pressa em viver. Existe uma identificação com o filme, que no entanto, se desfaz no minuto em que percebemos que algo vai correr mal. E no momento que a estupidez da idade dá lugar à maldade e à ousadia de matar alguém. A violência da mensagem do filme, faz-nos colocar os pés na terra e rapidamente percebemos que uma pessoa morreu, no meio de uma usual noite de entre amigos.

A morte de Bobby Kent ocorreu em 1993, na Flórida. Foi morto por sete adolescentes, sendo que o seu melhor amigo - Marty Puccio foi sentenciado à pena máxima. A relação de amizade entre estes dois rapazes, tal como aborda o filme, não era simples, envolvia raparigas, uma suposta violação, ameaças de morte, e bulling.

Esta morte chocou os americanos, não só pela realidade violenta da mesma, mas por ter sido pensada e executada por adolescentes e sobretudo, porque muitos dos jovens que participaram neste esquema "requintado" nem sequer conheciam a vítima. Todos os jovens foram sentenciados, mas Marty Puccio, foi condenado à morte por cadeira eléctrica (mas segundo li, a sentença foi alterada para prisão perpétua - informação esta, que não consegui confirmar). Continuando num choque de realidade, o actor (Brad Renfro) - que iniciou a sua carreira em 1994 com o filme Client de Joel Schumacher e que em Bully interpreta Marty Puccio morreu em 2008, vitima de overdose de heroína, com 25 anos.

Com a tagline "It's 4 a.m... do you know where your kids are?" é um filme violento, mas obrigatório. Uma chamada de atenção para pais e uma lição de vida para os jovens. No New York Times, em 2001 lia-se: "Bully é como um medicamento para o cancro: poderoso, difícil de engolir, mas necessário. Um Senhor das Moscas dos tempos modernos."

A Dangerous Method (2011) por Sofia

2011-12-04T17:55:00.000Z

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Even the celebrated spanking scene fails to knock much life into David Cronenberg's lugubrious tale of the tussle between Freud and Jung. Xan Brooks, The Guardian

A Dangerous Method is acclaimed director David Cronenberg’s best film in years. Owen Gleiberman, Entertainment Weekly

Given its long stretches of earnest and erudite scientific talk, “A Dangerous Method” might seem to be his calmest and most cerebral film yet. A.O. Scott, New York Times

A Dangerous Method reeks of Oscar-bait — acclaimed actors playing historical figures while wearing celluloid collars and carrying parasols around old Europe. But sometimes a cigar is just a cigar, and a prestige piece is just a well-intentioned bore. Alonso Duralde, The Wrap

Cronenberg sticks close to the historical record, documented by letters and journals, while offering his interpretation of the facts. Given the specimens, much of the movie seems to unfold in a pristine petri dish. J. Hoberman, L.A. Weekley

Existem críticas e opiniões para todos os gostos, boas, más, assim-assim. De facto, olhando para o historial de Cronenberg, é estranho ver uma biografia história no currículo do mesmo realizador de Eastern Promises, A History of Violence, eXistenZ, Crash, The Fly, Scanner, etc. Mas questiono: é assim tão estanho ver sair da mente do realizador em causa, um filme cujo sentido de violência abandona o físico ou a ficção científica, se tivermos em conta que em 1993 este mesmo realizador ousou levar ao cinema o ousado filme M. Butterfly?

Recordemos rapidamente: China, espionagem, diplomacia, ópera, homossexualidade... e assim vistas as coisas, psicanálise parece-me simples.

No meio da blogosfera e até nas redes sociais, muito tenho lido sobre o filme e geralmente leio "esperava mais". Esperavam ver Freud transformar-se num monstro aligena e Jung viciado em desastres autómoveis. Ou quem sabe Sabina Spielrein, criadora de jogos interactivos?

Talvez seja mesquinha no que diz respeito ao uso de fontes históricas ou leve demasiadamente a sério a questão "salvaguarda da memória" de duas, ou ouso dizer, três das pessoas mais importantes da época contemporânea. Mas existem coisas que a meu ver são intocáveis, e nisso Cronenberg foi totalmente respeitoso. Deixo outra questão: é obrigatório o cinema ir sempre além fronteiras e ousar ir além daquilo que existe? Não me parece quando de biografias se fala. Assim de repente, recordo-me de Oliver Stone em Alexander (2004) - o realizador quis ir mais além e a "aventura" não lhe correu bem.

Podia igualmente ficar aqui a debater de forma infinita o que é que devia ser mais detalhado no filme, o que devia ter sido posto de lado, os exageros, as faltas de exactidão. Mas, como não acho que isso tenha acontecido, deixo essa parte da crítica chata, para quem queira.

Cronenberg disse no Festival de Veneza que "esta é a minha primeira biografia convencional (... ) tento ressuscitar uma pessoa ou ressuscitar uma era” (...) "cada filme diz exactamente o que precisa”. “É um desafio, porque não podemos só fantasiar as pessoas e rodar”. Tudo isto como tem como pano de fundo uma proximidade à Guerra Mundial, que, nas palavras de Cronenberg, “pôs fim ao sonho de progresso e à assim chamada civilização europeia”.

Três exímios actores, três personagens históricas - Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Keira Knightley, são respectivaente - Sigmund Freud, Carl Jung e Sabina Spielrein. No entanto outros dois actores merecem destaque: Vincent Cassel como Otto Gross (o psiquiatra psicótico) e Sarah Gadon que interpreta a mulher de Jung, Emma Jung.

Já alguém imaginou a responsabilidade e a ousadia de colocar estas personagens em tela, bem como as teorias cientificas que defendiam?

Agora recuem no tempo, situem-se no século XIX e XX (já com algumas diferenças e evoluções científicas) e pensem como é que a sociedade da época recebeu as palavras e teorias que envolvem: neuroses, psicoses, perversões, sonhos, fantasias, histeria, sexo, libido, incesto, Édipo, Jensen, ego, semiótica. Ainda hoje, os cientistas da psicanálise são como que um mistério para a comunidade científica, até para nós - os comuns mortais, que temos tendência a "dar um sorriso" quando algumas destas palavras são usadas.

Para muitos, um sonho é um sonho, para os psicanalistas o sonho é uma forma de diagnóstico. Assunto bem focado no filme e ponto de ruptura entre Freud e Jung. Alguns dos críticos (pela negativa) do filme, consideram que Freud é pouco mencionado no filme, merecia mais - não sei se dizem isto porque queriam ver mais de Viggo, ou se nutrem de facto uma maior simpatia pelo cientista. Considero que Cronenberg fez propositadamente esta separação de personagens, dando talvez um maior enfanse a Jung - o pai da psicologia analítica e fazendo questão de mostrar o que os separa.

O filme preocupa-se em mostrar a união e o respeito mutuo entre os dois, mas é bastante claro naquilo que os divide. Tendo por base uma investigação histórica que teve como fonte, as cartas que os cientistas trocaram entre si, Cronenberg mostra as diferenças de forma clara. Jung não aceitava a justificação do trauma sexual para todos os conflitos psíquicos e Freud não aceitava que Jung se interessasse por fenómenos espirituais e religiosos.

Pouco tempo depois de cortarem relações, Freud - judeu, é perseguido pelos nazis, os seus livros são queimados e passam a constar na lista da literatura proibida, enquanto que Jung - suíço, torna-se um dos "pais da psiquiatria alemã". Muitos são aqueles que o consideram um defensor da causa "super-homem" e simpatizante das teorias de Adolf Hittler. Teoria esta, passível de controvérsia, pois é sabido que muitas das obras de Jung também foram condenadas pelo regime nazi.

No meio destes dois homens, eis que surge Sabina Spielrein, intrepretada por Keira Knightley. Apesar de imaginar que tivesse sido soberbamente difícil interpretar alguém que sofre de graves patologias, considero-a o "elo mais fraco" do filme. É uma interpretação muito física, mas mesmo no meio dos seus ataques, em que o corpo é conduzido por fortes espasmos, não a consigo levar muito a sério. Talvez a escolha da actriz não tenha sido a mais feliz, ou talvez o problema seja só meu, pois não consigo ver em Keira uma russa judaica.

A sua doença, o internamento e a relação com Jung é correcta. Alexandre Guerra escreveu no blog PiaR: "É uma mulher que entra doente numa clínica na Suíça e, anos mais tarde, esbate as suas debilidades e fragilidades para se colocar numa posição de força. E não tivesse sido morta pelos nazis (...), talvez tivesse sido tão influente para o século XX como foram Freud e Jung, sublinha Cronenberg."

Spielrein foi uma das primeiras mulheres psicanalistas do mundo. Em 1911, defendeu uma dissertação sobre um caso de esquizofrenia e nesse mesmo ano, tornou-se membro da Sociedade de Psicanálise de Viena. David Cronenberg centrou muito o filme nesta personagem. E porquê se tinha duas figuras que abafavam o lado feminino, pela importância que tiverem em vida e sobretudo após morte? É que Sabina doente, perturbada, louca - superou, curou-se. A doença dá lugar à cura, com esforço, determinação, com altos e baixos, com avanços e com recuos - superou através de método. Por muito perigoso que seja, depende do "eu", da vontade e do conhecimento - daquele que temos sobre nós, mas também daquele que temos sobre o que nos rodeia.

Com este filme Cronenberg grita bem alto: a humanidade necessita urgentemente de "método"...

Uma nota extra para mencionar como incrível é o cenário "escritório de Freud". As prateleiras recheadas de livros e de estatuetas referentes ao divino feminino, são deliciosas. Reparem sobretudo na pré-histórica Vénus de Willendorf.

Immortals (2011) por Sofia

2011-12-03T18:25:00.000Z

[spoiler]

Quando vi o trailer de Immortals pela primeira vez pensei para comigo – sim, vais gostar! Depois de ter visto o filme, sou obrigada a concordar comigo própria… sim, gostei!

Os críticos de cinema – aqueles mais dados ao sério, que me desculpem, mas este é um daqueles filmes que me toca ao coração. A minha veia “investigação” abandona a racionalidade e dá lugar à paixão.

Longe de ser cinematograficamente perfeito – objectivo esse que não me parece ser a determinação principal de Tarsem Singh, é um orgasmo visual – fabulosamente gráfico do princípio ao fim. Mas, se me perguntarem se considero o 3D necessário… a resposta é não. Percebo a sua utilização no filme, mas tenho a certeza que mesmo sem esta tridimensionalidade, o filme iria ser igualmente soberbo a nível gráfico.

Qualquer filme que contenha um herói / líder retirado do "leque mitológico" e que tenha nos seus antepassados próximos um 300, um Troy, um Alexander e até um Spartacus vai sentir na pele a crítica feroz daqueles que medem tudo o que é filme, pela mesma régua. A mim, não me interessa, Teseu (Henry Cavill) não é Leónidas e Hyperion (Mickey Rourke) não é Xerxes – falamos de episódios diferentes.

Aqueles que têm a mente aberta e que conhecem relativamente bem a mitologia grega, sonham durante 110 minutos. Deuses, semi-deuses, imortais, mortais, oráculos, símbolos, mitos, lendas, tudo isto tem espaço em Immortals. Sim poderia ser melhor, mais detalhado talvez, mas certo é que isso ia tornar um filme de acção, num documentário sobre mitologia grega, e para isto existe o canal História.

No entanto, alguns detalhes têm que ser mencionados. Um dos erros está na personagem Hyperion. Interpretado por Mickey Rourke (que é, nada mais nada menos do que igual a si mesmo) é no filme uma espécie de mercenário ao serviço do mal. Mas na verdade, na mitologia grega Hyperion era filho do Deus Urano e de Gaia e era na verdade um Titã, portanto se Tarsem tivesse tido isto em conta, a personagem teria talvez tido mais força. Os Imortais também são algo que não está bem definido, são uma espécie de trogloditas com o dom da imortalidade, que a meu ver mereciam um melhor trato tendo em conta que são os únicos com o dom de fazerem com que os Deuses saíssem do Monte Olimpo e descessem à terra com a sua verdadeira forma física. Também com Fedra as coisas não são lineares. Fedra era na verdade filha do rei Minos (de Creta) e casa de forma "obrigada" com o rei Teseu (sim, Teseu foi Rei de Atenas) e toda a história entre estas duas personagens é uma tragédia grega e não o bonito romance que o filme aborda.

Faltou a Teseu as sandálias e a espada do pai, faltou-lhe Ariadne, falta Atenas e faltaram as Amazonas. Temos o Minotauro e o labirinto, mas em versão muito soft. Existem falhas narrativas e históricas no filme. Mas sinceramente, penso que isso não é relevante. Os nossos olhos ficam tão exacerbados pelo factor visual que tudo o resto é acessório - mesmo àqueles olhos mais atentos e exigentes. Considero que esta mesma orgia visual, impede as divagações acerca das qualidades interpretativas de Henry Cavill, que muitos querem ver falhar “à força” no próximo filme da fasquia Superman. É um filme para pensar como um todo e não em detalhes mesquinhos.

Temos Zeus, temos Atena, Ares, Poseidon, Heracles, etc. E as cenas onde os deuses intervém, são fabulosas. Não sei se teremos um Immortals 2… mas Teseu era herói o suficiente para isso, no entanto a introdução de Acamas (filho de Teseu e Fedra) no fim do filme, faz-me suspeitar que a existir um segundo, vamos ter algo que envolva Tróia...

Ora bem... a ver, por todo o refinamento visual onde tudo o resto é acessório!

One Day (2011) por Sofia

2011-11-27T21:37:00.001Z

[spoiler]

Este é um daqueles exemplos de filme que tinha tudo para dar certo, mas, a meio, algo se perde.

A premissa é perfeita - amor disfarçado de amizade, ou amizade disfarçada de amor. Anne Hathaway e Jim Sturgess são Emma Morley e Dexter Mayhew - meros conhecidos na universidade que constroem uma amizade pouco convencional e sempre ofuscada por um episódio em que algo estava para acontecer mas não aconteceu.

Ao longo do filme assistimos aos altos e baixos desta relação "de amizade". Às relações amorosas (paralelas) de Emma e Dexter, aos seus episódios profissionais e o passar do tempo é bem delimitado através de um calendário - indicações cronológicas, com diferenciações de bandas-sonoras - que condizem com o ano, bem como as roupas das personagens e alguns cenários.

É precisamente neste "factor saltimbanco" que o filme perde um pouco o encanto. Tudo fica muito superficial, sendo sempre de antever que os dois estavam destinados a ficar juntos, mas que de certeza algo iria correr mal, muito mal. O que de facto acontece e aqui toca na banalidade romântica.

Curiosamente Jim Sturgess ultrapassa a talentosa Anne Hathaway - que dota a sua personagem de um carácter por vezes insuportável, mal vestida, mal penteada e sobretudo dona de uma pronuncia "não explicada" e solenemente irritante.

Lone Scherfig, a promissora realizadora de An Education (2009) não consegue com este filme superar o sucesso do bestseller escrito por David Nicholls.

No entanto, em tom de desabafo e longe do sentido crítico - CHOREI que nem uma "Maria arrependida" . O que me faz pensar - se era este o objectivo de Sturgess, foi de facto, bem sucedida! A ver naqueles dias pré-menstruais e depois de discutir com a "cara-metade". Igualmente ideal para todas aquelas pessoas que têm amigos especiais - aqueles de quem se tem ciúmes sem aparente razão.

The Ides of March (2011) por Sofia

2011-11-11T21:42:00.001Z

[talvez contenha spoiler]

Alguém por aqui já reflectiu sobre o título do filme em causa?

Provavelmente não, eu é que reparo nestas coisas esquisitas. Os Idos foi uma espécie de contagem cronologica que os romanos - esse povo inventivo da antiguidade clássica - criaram para dividir os meses. Os Idos decorrem no décimo terceiro ou no décimo quinto dia do mês - no primeiro dia da Lua Cheia (depois ainda existem as calendas e as nonas). O que é que isto tem a ver com o filme? Tudo, porque os Idos de Março ficaram registados na história, por ser a data em que Júlio César foi assassinado (a 44 a.C).

Continuam na mesma, não é? Mas vão continuar assim, porque eu não vou contar tudo!

Enquadramento ao filme:

Todos (mesmo os mais distraídos) sabem que o sistema eleitoral americano não é fácil de entender. Nos Estados Unidos da América existe uma votação a que se dá o nome de eleições "primárias". Estas são eleições internas, ou seja dentro de um partido político (militantes) que permitem nomear um candidato a uma eleição futura. E é este o mote do filme.

O filme:

Não quero desvendar muito, porque considero ser um filme A VER e portanto, não chega ler "resumos".

Republicanos versus Democratas em Ohio. A escolha do estado "cenário" foi uma jogada inteligente de George Clonney. Ohio é politicamente um desafio, pois não é dominado politicamente por nenhum dos partidos. Os republicanos votam em democratas e os democratas votam em republicanos.

Os 5 primeiros minutos do filme são especiais e mostram porque é que é que Ryan Gosling é um dos melhores actores da actualidade e fica justificado porque é que George Clooney o escolheu. O filme foca-se nos bastidores da política, naqueles que preparam discursos, estratégias, itinerários. Aqueles que definem como o candidato deve agir, mover-se, até pensar. Aborda os profissionais da política - aqueles que estão na sombra dos políticos - os "casados com a campanha".

No meio de intensos momentos e diálogos, percebemos as diferenças entre objectivos e países. Nos EUA, os discursos dos políticos abordam o petróleo, a pena de morte, as guerras, a tecnologia, o ambiente. A Constituição é a religião da nação e está em causa liderar não só o país, mas o mundo. O filme é feito de momentos, e o mestre é superado pelo súbdito, recheado por excelentes personagens secundárias - interpretadas por Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei e Evan Rachel Wood.

Fantástico retrato de como em política o mais importante é a lealdade e como nem sempre, tudo o que parece é. Ficamos com a certeza de que os políticos, são homens e no fim do filme vão perceber a importância da "morte de Júlio César" e dos Idos de Março.

"When we make a mistake, we lose the right to play"

Boss

2011-11-01T18:36:00.005Z

por Sofia;

Na minha opinião, Boss é a maior surpresa (pela positiva) da temporada 2011/2012 de séries norte-americanas.

Kelsey Grammer habituou-nos a um registo cómico, tão bem representado em Cheers ou Frasier, mas também foi Beast (X-Men 3), foi o general Partridge, etc. Com a sua voz poderosa, parece-me que tal como Glenn Close em Damages, Grammer vai fazer com que a televisão se eleve, e que cada vez mais as interpretações de actores em séries televisivas igualem ou superem as interpretações cinematográficas de alguns dos actores mais badalados da actualidade.

Como tinha saudade de uma boa série política - The West Wing, foi e é marcante para a história da televisão, mas parece-me que esta série terá igualmente algo a dizer.

O canal Starz está mais uma vez de parabéns. A aposta é singular e perigosa de manter no ar - sobretudo pelos assuntos delicados e controversos que aborda.

Não quero adiantar muito sobre a série. De facto, não é para todos os públicos, aborda política, o sistema eleitoral americano, a lúxuria, a corrupção, a ausência de escrúpulos, a doença e é sobretudo uma crítica feroz ao uso de "aparências".

O cenário - a cidade de Chicago. Aborda de forma sublime a questão das etnias tão importantes na cidade em causa, os problemas sociais e os problemas políticos inerentes a esta diversidade. Para os curiosos no assunto - Chicago é governada por um prefeito, tem um tesoureiro próprio e existe um conselho municipal, que é constituído por um representante de cada uma das 50 zonas da cidade.

E para que percebam melhor esta peculiaridade da cidade fiquem com números dos censos de 2000:

- 41,97% (dos habitantes da cidade) são caucasianos
- 36,77% afro-americanos
- 26,02% hispânicos
- 0,36% nativos americanos
- 4,35% asiáticos,
- 0,06% nativos polinésios
- 13,58% são de outras etnias

Agora imaginem todo este enredo numa exímia série de televisão. 5 estrelas e bem recheadas. Mais que recomendado...

E termino com uma citação de Winston Churchill: "A política é quase tão excitante como a guerra e não menos perigosa. Na guerra a pessoa só pode ser morta uma vez, mas na política diversas vezes."

Nota: As estatísticas aqui apresentadas podem não ser as correctas - tendo em conta que o sitio web de onde as tirei não prima por credibilidade, mas podem visitar o site oficial dos Censos americanos - aqui.

Crazy, Stupid, Love [2011] por Sofia

2011-10-19T21:00:00.000+01:00

(alerta; spoiler)

A história é simples: casamento, divórcio, renascer, reaprender, amar.

Estas palavras são os ingredientes fundamentais para uma receita simples - tudo para que um filme se torne básico e normal, mas Glenn Ficarra e John Requa conseguiram realizar um filme despretensioso, sem recorrer ao humor fácil e a dramas lamechas. É um filme bem disposto, simples, muito bem interpretado.

A história: um casal (Cal Weaver - Steve Carell e Emily Weaver - Julianne Moore) depois de um longo casamento, vê-se assombrado por uma relação extra-conjugal e abalado por um pedido de divócio. Envolto em problemas existenciais e perda de confiança nele próprio, Cal refugia-se num bar, onde conhece o mulherengo, experiente conquistador e sexy Jacob Palmer (interpretado por Ryan Gosling). Entre os dois nasce uma parceria, Palmer voluntaria-se para ensinar Cal a ganhar auto-estima e ensina ao inexperiente e candidato ao divórcio, a arte da sedução. Entre o mestre e o aprendiz nasce uma relação de amizade.

Inserido o ditado "pela boca morre o peixe" entra no enredo a fabulosa Emma Stone, que dá o corpo e alma a Hannah, aquela que vai desafiar a forma de ser e de estar de Jacob - o mulherengo.

A vida dá voltas, e o divórcio não passa de um projecto e aquele que era imune ao amor, encontra-o onde menos se espera, no seio da família que tão bem conheçe... de longe.

O enredo é povoado por fabulosas personagens secundárias: Marisa Tomei é incrível - pena aparecer tão pouco tempo. Analeigh Tipton ex-concorrente do programa de Tyra Banks - America's Next Top Model é Jessica, a babysister que é apaixonada pelo homem mais velho, pelo chefe e pai do casal de "crianças" que toma conta, cujo rapaz, por sua vez é apaixonado por ela. Rapaz este - Robbie Weaver, interpretado por Jonah Bobo - uma personagens preciosa.

Kevin Bacon é David Lindhagen - a causa do divórcio, e Liza Lapira é Liz, a melhor amiga de Hannah - aquela que diz as verdades e cujo sentido de humor, envergonha mesmo as almas mais "livres".

A minha cena favorita:

Em resumo: Carrel e Gosling são únicos, e as meninas - Moore e Stone são igualmente excelentes. O filme é competente, divertido, acessível e repito: despretensioso.

Midnight in Paris [2011] por Sofia

2011-10-17T08:30:00.001+01:00

(alerta: spoiler) Não simpatizo com Woody Allen. Match Point é o meu eleito do realizador e depois de ver Midnight in Paris, confirmei que assim permanecerá e a simpatia para com o senhor continua em "vias de extinção".

O filme tinha tudo para ser bom, mas fica-se pelo "pateta". A história é interessante - um escritor à procura de inspiração em Paris (será este tema uma metáfora aplicável a Allen?). O filme é envolto por personagens básicas e dadas ao ridículo, mergulhado por viagens no tempo e encontros com figuras de vulto e totalmente subaproveitadas. Eis os "detalhes" que mais me desagradaram:

- A politiquice expressa em vários momentos através do discurso democratas versus republicanos.

- Ernest Hemingway gozado com parvas referências à sua experiência na Segunda Guerra Mundial, pela sua paixão pela caça e como não podia deixar de ser, a crítica ao gosto do escritor pelas touradas. É basicamente um bêbado sentado num bar. Só faltou insinuarem uma relação homossexual com Juan Belmonte.

- Pablo Picasso retratado como alguém mínimo, preocupado com uma amante - será o mesmo Picasso? Aquele que um dia disse: "a mulher para ser perfeita deve ser passiva e submissa (...)"?.

- Gertrude Stein, com as paredes da sua casa correctamente recheadas por quadros de Juan Gris, Matisse e Picasso's é uma mera revisora literaria?

- Salvador Dalí - sim era louco, mas dar-lhe tempo de antena para falar de rinocerontes, era desnecessário.

Pelo filme circulam ainda: Cole Porter, Zelda Fitzgerald, F. Scott Fitzgerald, Joséphine Baker, Luis Buñuel, T.S. Eliot, Henri Matisse, Leo Stein, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Edgar Degas, etc. TUDO para conseguir algo genial, mas não, a opção "pateta" foi a escolhida. Este desfile de personagens históricas e intocáveis, envoltas em diálogos fracos, limitados e com tentativas de "cunho cómico" são para mim verdadeiros baldes de água fria.

Existem no entanto, três coisas fazem sentido no filme:

- Owen Wilson

- Paris

- e a escolha da pintura de Vicent van Gogh como fundo para o cartaz promocional do filme. Parece-me que Allen e Gogh têm algo em comum - esquizofrenia, por exemplo.

Johnny English Reborn (2011) por Sofia

2011-10-10T11:44:00.003+01:00

[spoiler - mais ou menos]

Nota 1: um dos rituais obrigatórios de ser madrinha de alguém é levar o afilhado ao cinema aos domingos à tarde.

Nota 2: ir ao cinema ao domingos à tarde para ver comédias e encontrar a sala cheia de adolescentes carregados de pipocas, cola-cola e hormonas descontroladas é semelhante a uma traumatizante diarreia intelectual.

O filme: todos sabemos que fazer rir, não é fácil. Rowan Atkinson tem essa capacidade nata. Talvez pelas suas características físicas, e sobretudo pelas expressões faciais, saca uma gargalhada fácil, mas pouco mais do que isso.

O filme é básico e cheio de clichês. O parceiro de Johnny English (Agent Tucker - interpretado pelo "desconhecido" Daniel Kaluuya - que ainda não tem fotografia no IMDb) tem alguma piada, mas não é mais do que a representação da razão no meio da loucura e burrice do agente principal.

Destaco as cenas iniciais - passadas num monteiro budista, mas que no fim, não passam de uma imitação pouco conseguida de Ace Ventura: Pet Detective.

Gostei de ver Dominic West a desfilar por lá, mas só porque acho piada a Dominic West, e porque me faz pensar em The Wire, nada mais.

O melhor do filme (se é que esta expressão pode ser usada) é "a assassina do aspirador" e as tentativas óbvias, mas divertidas de Johnny English a apanhar.

Em resumo, o filme é parvo, mas acho que é esse o objectivo.

Com este filme percebe-se porque é que Atkinson abandonou a personagem Mr. Bean. Johnny English é a versão Bean com som.

Somewhere (2010) por Sofia

2011-09-21T17:56:00.001+01:00

Atenção: contém spoilers

É oficial. Sofia Coppola ganhou um lugar cativo no top dos meus realizadores favoritos.

Aqueles que conhecem a obra da autora e que a apreciam, não estranham a existência em Somewhere de elementos sonoros, emotivos e sobretudo a existência de cenários pensados ao detalhe e o recurso a uma sensibilidade delicada e subtil.

Johnny Marco (Stephen Dorff), um actor no auge da carreira, bem sucedido, rodeado por "aparentes amigos", mulheres, álcool, drogas, só, sem sentido, oco.

Cleo (Elle Fanning) leva uma vida de idas e de vindas - típica de alguém que é filha de país separados. Dotada de uma aparência jovem, mostra-se madura e adulta em várias ocasiões, não através de palavras, mas pelas acções. São intercalados momentos dúbios em que a maturidade sobressai à juventude - e vice-versa. Temos um desfile de pormenores: a menção à saga Twilight; a wii, o ballet, o diário, a culinária e a preocupação para com os outros.

Cenários: o fabuloso e mítico hotel Chateau Marmont e o Ferrari de Marco.

Sofia Coppola consegue, mais uma vez, colocar no enredo, detalhes que à vista desarmada passariam despercebidos a um olhar menos atento - a moda, as marcas, a música - tudo isto denota uma contemporaneidade interessante, sóbria e atenta. A história de Somewhere é contada por alguém que tão bem conhece o "mundo hollywood" e quiçá, a sua própria vivência/experiência tenha servido de inspiração à história.

Uma pequena menção a Chris Pontius - Sammy - o melhor amigo de Marco e é nada mais nada menos que igual a si mesmo e àquilo que é na vida real.

É um filme sobre solidão, aparências e sobre a busca de sentido para a vida. Recheado por planos fabulosamente detalhados, takes longos e filmado a um ritmo absolutamente arrebatador. O auge - uma íntima e profunda cena partilhada por pai e filha na piscina, mergulhada em profundo silêncio no que a palavras diz respeito, mas com a música "I'll Try Anything Once" dos The Strokes como banda sonora.

No fim - a certeza de que todos temos "uma estrada a percorrer na vida".

Resumindo: precioso

Rise of the Planet of the Apes (2011) por Sofia

2011-09-13T23:12:00.000+01:00

Contém spoilers (mais ou menos)

Ultimamente evito ler críticas e notícias tendenciosas - seja para o bem, seja para o mal, sobre determinados filmes. Procurei ir ver o filme, com a mínima informação possível, sendo que as únicas coisas que vi foram os trailer (dos melhores que se tem feito ultimamente) e os posters.

Não conheço a obra literária por detrás do filme e não sou propriamente fã de ficção científica e assim sendo, peço desculpa antecipadamente àqueles que acharem que o que vou escrever é terrivelmente parvo e dispensável.

Questiono: é o Rise of the Planet of the Apes ficção científica?

É ficção científica a luta incessante, despesista, arrogante, torturadora, manipuladora e capitalista que as indústrias farmacêuticas enveredam na busca do medicamento supostamente perfeito ?
É ficção científica a propagação de vírus criados em laboratório?
É ficção científica a eterna mania que o ser humano tem em denominar-se o "ser superior"?
É ficção científica o desrespeito e a intolerância para com a doença e por aqueles que são diferentes da normalidade vigente?
É ficção científica ver primatas a demonstrarem inteligência, capacidades de raciocínio, sentimentos e domínio na língua gestual?

E acrescento: Luta de classes? Acesso a direitos básicos? Respeito? Liberdade?

Somos nós - homo sapiens sapiens - membros do ramo de primatas que foi brindado pelo processo de hominizacao, superiores? Seres evoluídos física e mentalmente ?

Tenho dúvidas.

Talvez o facto de ter estudado a hominização me faça ter algumas inquietações. Tento ter sempre presente a ideia de que os nossos antepassados primatas não inventaram o fogo, aprenderam a manusea-lo, criaram os bifaces e pintaram nas paredes das grutas, as primeiras representações artísticas da História. Convém ter igualmente "a fresco" na memória: selecção natural, a lei do mais forte, etc. - o evolucionismo.

O filme é competente, bons efeitos especiais, um César extraordinário. Um James Franco suficiente, John Lithgow num bom registo e Freida Pinto, linda de morrer. Mas César é o centro das atenções - nele vi um líder sindical, um chefe de estado, o responsável por uma empresa de sucesso, um líder espiritual e um intérprete de língua gestual.

Até hoje sempre tinha tido o sonho utópico de ter um macaco em casa. Mudei de ideias. Não por receios físicos, mas por medos intelectuais.

Blue Valentine (2010) por Sofia

2011-09-10T20:08:00.000+01:00

Nota: contém spoilers

Como é complicado escrever sobre algo que se gostou tanto.
Blue Valentine estava na lista dos "a ver" há muito, mas só nas férias consegui ver... e como estava em falta.

Derek Cianfrance teve a genial sorte de iniciar a carreira com um filme que gera na maioria dos espectadores - semelhança, empatia, identificação. É bom perceber que em pleno século XXI, a abordagem amor/ desamor continua a ter um lugar no cinema e que a forma de o abordar é quase inesgotável.

O filme mostra que o amor não é suficiente. O amor não vence o “factor tempo”, a rotina, a apatia. Não chega sexo, não chegam os filhos, não chega uma casa, não chega o emprego estável – nada salva aquilo que tem a morte anunciada.

A fantástica história de Cianfrance tem como personagens principais Dean (Ryan Gosling) e Cindy ( Michele William) – um casal igual a tantos outros, mas que neste filme está em plena crise matrimonial. Dean, mais do que Cindy tenta encontrar uma solução, a salvação da relação. E na tentativa desesperada de estabilizar o que têm, resolve promover uma noite romântica – longe de tudo e de todos, num cenário que tinha grandes possibilidades de unir física e intimamente o casal. Não resultou – piorou.

Talvez o que torna o filme tão intenso e ao mesmo tempo quase cruel – são os diálogos intensos entre o casal, bem como a recorrente utilização de flashbacks, em que a narrativa navega entre o passado e o presente, sendo que no passado assistimos a uma história de amor e no presente somos presenteados com um anunciado fim.

Aqueles que já viveram relações longas, percebem a honestidade da história por detrás de Blue Valentine. O amor acontece, o amor acaba. Não é possível evitar o fim, mas pode ser evitado um fim doloroso.

O filme é incrivelmente bonito. É uma viagem ao desgosto, ao amor e a promessas que se pretendiam eternas. Adorei cada detalhe, cada palavra, cada suspiro.

P.S. - a banda sonora é perfeita

Captain America (2011) by Sofia

2011-08-07T20:32:00.006+01:00

por Sofia;

Em primeiro lugar, quero agradecer à Lusomundo o facto de ter escolhido como primeiro anúncio - dos 20 minutos de propaganda consumista que antecedem o filme - uma publicidade totalmente gay que envolve o Hugh Jackman a dançar na tentativa de promover chá frio. Depois fiquei na dúvida se, na nova versão dosThe Three Musketeers - além dos golpes à Matrix e de desfiles de Flying Dutchman – existirão universos paralelos…

Findos os sufocantes 20 minutos de lixo informacional começa Captain America. E começa tão bem – com uma subtil referência ao século XXI e o primeiro manifesto a Avengers.

Para alguns, não é desconhecido o facto de que a História é um factor determinantena minha vida, e por vezes, acontece ver determinados filmes sob um determinado prisma – o histórico.

E este prisma faz-me perceber porque é que muitos – sobretudo os mais jovens – não acham piada ao Capitão América, não tem high-tech, não tem gadgets, não tem computadores touch screen. Tem a Segunda Guerra Mundial.

Aqueles que conhecem a banda desenhada original, sabem que o Capitão América nasceu de uma onda de super-heróis que foram usados como divulgação do patriotismo norte-americano e é muito curioso como em pleno ano 2011 os EUA continuam conseguir usar a máquina "I Want You".

No filme está implícita a teoria do “super homem” Übermensch, descrita por Nietzsche no seu livro “Assim Falou Zaratustra”. Teoria esta, tão querida a Adolf Hitler e independentemente de ser verdade esta inspiração ou não, facto é que Hitler, juntou a medicina e a ciência ao sabor da guerra e promoveu uma luta incessante pelo “afinar da raça pura” e imbatível. Sim, os americanos também não são inocentes nesta matéria – prova é, a obstinação que ainda hoje, têm pelas características especiais de algumas das suas forças militares.

Outro detalhe bem conseguido no filme, é a questão do fascínio que os nazis tinham pelas relíquias históricas e pela mitologia – aqui tão bem aproveitada para fazer a ponte com Thor.

Chris Evans, uma excelente surpresa, com acção, quando deve aplicar acção, cómico, quando deve ser cómico. Adorei ver que o fato azul nasceu sujo, e sujo permaneceu – para mim até agora o melhor fato das adaptações Marvel ao cinema. Os detalhes Howard Stark são deliciosos e como Dominic Cooper faz bem a ponte com a personagem de Downey Jr. Num elenco com boas personagens secundárias,merece especial destaque Tommy Lee Jones – afinado sempre que aparece.

Num filme – denominado por muitos, de comercial – em que existe uma ausência de contemporaneidade (tirando alguns minutos do filme), a Europa recebe uma “chapada de luva branca”, e numa altura em que o nosso continente critica os EUA pelas declarações das agências de rating, foi uma boa altura para relembrar os mais esquecidos que devemos aos americanos a vitória da Segunda Guerra Mundial. E Red Skull disse “o futuro não tem bandeiras” – questiono - terá sido esta, uma provocação ao fim das diferentes moedas e adopção definitiva do dólar pelo mundo?

Como gostei de Captain America… foi uma surpresa boa e similar ao Thor. Venham os Avengers, estou preparada.

Cheiro a Naftalina #2 - Amadeus [1984]

2011-07-18T13:20:00.000+01:00

por Sofia,

A biografia de Amadeus Mozart é das coisas mais fascinantes na História Contemporânea. Apesar da sua adaptação ao cinema, não ser a mais exacta cientificamente, é genial. A relação amor/ódio entre Mozart e Salieri é a alma do filme, recheado de duas excelentes interpretações, uma banda sonoraadequada, cenários exímios, vestuário e caracterização absolutamente extraordinários. Milos Forman, foi o maestro perfeito para a difícil orquestração que foi a vida de Mozart.Para mim este filme devia ser obrigatório nos programas escolares do secundário.

Trailer:

Outro Trailer:

Veja os outros "Cheiro a Naftalina" no Cine31:

The Romantics (2010)

2011-06-27T15:05:00.001+01:00

por Sofia;

Mas quem é que se lembrou de dar a classificação "comédia" a este filme? Chateia-me profundamente o facto de que um "romance" tenha que estar quase sempre colado à tag comédia. Enfim... longo seria este debate.

Sobre The Romantics: amigos que querem ser mais que amigos; histórias mal resolvidas; ressentimentos; disfarçes / aparências, mentiras.　

Anna Paquim - com o seu tamanho mínimo, e com uma presença um tanto ou quanto "a passar despercebida" é (como sempre) amorosa e sexy. Katie Holmes muito interessante e Josh Duhamel num registo para além das comédias e muito longe dos Transformers. Restantes personagens secundárias, muito bem concebidas e igualmente bem conseguidas.

A pergunta: será possível manter a amizade ou ser amiga(o) de ex-namorados(as) ?

Beastly + I Am Number Four

2011-06-24T16:36:00.001+01:00

por Sofia;

Isto vai ser uma espécie de dois em um. Não há necessidade de gastar dois post nestes filmes.

Facto - o miúdo (Alex Pettyfer) é giro. Quanto ao talento - talvez um dia. Por enquanto está ainda "demasiadamente Beverly Hills 90210".

O primeiro filme - Beastly - é uma versão moderna da eterna história "A Bela e o Monstro", mas bem vistas as coisas, nesta nova versão - é tudo bonito. É um filme óptimo para ver nas aulas de Religião e Moral, naquela parte da matéria em que se ensina a gostar e a tratar todos de forma igual - UTOPIAS.

Quanto ao segundo - I Am Number Four... a história por detrás do filme tem / tinha imenso potencial. Mas, na minha opinião o resultado real é nulo. Todo o potencial envolto na história escrita por "Pittacus Lore" é destruído em 109 minutos. É daqueles filmes que "não aquece, nem arrefece". O que falhou? Nem sei bem explicar, talvez o facto de que pretende ser um filme de ficção/acção, mas que fica preso algures entre um Matrix, um Twilight, um Heroes e quiçá, num Superman. Elenco demasiado "virgem e sem sal". Para mim resume-se a - dispensável. E pior: parece que vão existir sequelas.